Un hombre común intenta hacerse lugar en la camorra italiana: lo que es visto con patetismo, lenta y progresivamente se irá convirtiendo en una tragedia. La tragedia de la Italia fascista. Ejemplo de los tonos y posibilidades del cine italiano, Pascualino Sietebellezas es un film emblemático de Lina Wetmüller.

Esta película se verá mañana a las 19 en la Sala Nachman (Boulevard Marítimo 2280) como parte del ciclo de cine italiano que ha propuesto este mes el Grupo Cinecos. El film, de esa década inflamable de 1970, está protagonizado por Giancarlo Giannini, Fernando Rey y Elena Fiore.

Como se ha dicho, la película Wetmüller sirve como fiel reflejo de lo que era el cine de aquel origen por esos años: una sucesión de éxitos sostenidos por un sabio balance entre el humor y el drama. Un cine agridulce que, además, tenía el acierto de abordar lo político sin perder de vista el cuento.

En Pascualino Sietebellezas (protagonista apodado así porque tenía siete hermanas muy feas) vemos a un personaje entre patético y tierno, intentando hacerse valer en medio de un submundo peligroso. Con virtudes y defectos, algo así como la perfecta representación de una Italia fascista encharcada en sus propias ansias de poder y grandeza.

Propio de un tiempo donde el cine tenía la capacidad de mezclar la reflexión política con el entretenimiento (aún hoy lo hace, pero en menor medida) Queimada! es un típico film de ultramar ambientado en la época de la colonización, pero que además se permitía apuntes mordaces sobre la situación social y la forma en que el mundo era disputado. El film se verá el próximo jueves a las 19 en la Sala Nachman (Boulevard Marítimo 2280).

En el anecdotario de este film algo olvidado -hay que reconocer que tiene algo de fallido en su estructura- hay que sumar que fue el motivo que llevó a distanciarse de por vida al director Gillo Pontecorvo y al actor Marlon Brando, quienes tuvieron una feroz pelea por la construcción del personaje de Brando, el mercenario inglés William Walker: mientras uno quería un villano clásico, el actor prefería alguien con ambigüedades.

Pontecorvo, a quien no le restamos sus méritos, tal vez sea de esos directores que han pasado a la posteridad por una sola película: La batalla de Argelia. Film emblema para bien y para mal a la hora de retratar la guerra con un sesgo documental, aquí se relaja mucho más y propone un film político, sí, pero donde la aventura estaba mucho más presente que en aquella áspera película.

Walker era un mercenario inglés que llegaba a la isla caribeña de Queimada en busca de la abolición de la esclavitud. Lo que se ve es a una potencia colonial en declive, Portugal, que controla la isla a su antojo y, en consecuencia, la producción de azúcar. El film recrea cómo el británico monta un ejército revolucionario para destronar del poder a los portugueses. Un film que, tal vez olvidado inmerecidamente, aporta una de las mejores interpretaciones de Brando.

Para cerrar el ciclo de Cine & literatura que durante julio presentó el Museo del Mar con la coordinación del crítico Diego Menegazzi, esta tarde a partir de las 19 se verá en la sala de Colón 1114 Noches blancas, la adaptación que realizó Luchino Visconti de la novela de Fedor Dostoievski.

El film, de 1957, cuenta con los protagónicos de Marcello Mastroianni y María Schell. Ambos interpretan a una pareja con conflictos, aunque en realidad no se trata de una pareja, sino del amor de un hombre hacia una mujer que no termina de concretarse. Dostoievski reflejó aquí la intensidad del amor trágico.

Mastroianni interpreta a Mario, un mediocre oficinista que vive en una modesta pensión, y Schell a Natalia, una joven en cuyo rostro se refleja una profunda tristeza. Ella está enamorada de un vecino que se marchó prometiéndole regresar. Pero eso no ha pasado. Ahora él se enamorará de ella en un juego de espejos que sólo muestra frustración.

Historia oscura, pesimista, sobre amores imposibles y personas que persisten en ese sentimiento no correspondido. Noches blancas es, de manera tersa y simple, una historia dura, espesa, compleja. Recientemente la adaptación de James Gray titulada Los amantes demostró el potencial de este texto.

En la continuidad del ciclo de cine italiano que durante julio está presentando la Sala Nachman del Teatro Auditórium (Boulevard Marítimo 2280), esta tarde desde las 19 se proyectará el film Todos a casa, dirigido por Luigi Comencini y con el protagónico de Alberto Sordi, Serge Reggiani y Eduardo De Filippo. El film es una típica comedia italiana en la que el patetismo se hace presente en los personajes.

Todos a casa se centra en los momentos de confusión que vivieron los soldados italianos al finalizar la Segunda Guerra Mundial. Aquí, el director utiliza ese estado para el bien de la comedia: la película se enmarca estéticamente lo que promovía un cine como el de Rossellini, aunque con algunas variantes propias del neorrealismo.

En el film, tras el armisticio el Ejército italiano se perdió en la confusión general, desapareciendo los puntos de referencia de las tropas. Por eso los soldados empiezan a volver a casa, aunque siempre está quien quiera mantener unida a la tropa. Es ante esta situación que uno de ellos se fuga acompañado por un sargento.

Todos a casa no evita lo trágico de la posguerra: allí la familia de un soldado es exterminada por haber ofrecido hospitalidad a un americano; en otro pasaje se asiste a la marcha de los partisanos hacia el monte y a la captura de una joven judía por parte de un grupo de alemanes.

Estos elementos, que podían ser de una profundidad dramática asfixiante, por obra y gracia de un concepto como era el neorrealismo, adquieren instancias de comedia y de humor, que no dejan de lado el horror. Sin embargo, en esa convocatoria a la risa, es donde se logra exorcizar algunos demonios y, a la vez, demostrar el absurdo de estas situaciones.

Por Cristian Ariel Mangini

Son como niños (Grown ups / 2010 / Estados Unidos / 101 minutos).

Son como niños (Grown ups / 2010 / Estados Unidos / 101 minutos)
Director: Dennis Dugan
Guión: Adam Sandler, Fred Wolf
Reparto: Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, Rob Schneider, David Spade, Salma Hayek, Maria Bello, Maya Rudolph, Steve Buscemi.
Sala y horarios: Cines del Paseo (todos los días: 11:40, 13:50, 16:00, 18:10, 20:20 y 22:45. Viernes, sábado y miércoles también: 00:55)

Guste o no, lo cierto es que a la hora de hablar de Adam Sandler hay que también hablar de sus múltiples facetas como actor de comedia. Si bien su dominio sobre el humor físico parece ser la faceta donde mejor apuntala sus gags, lo cierto es que ha estado en varios géneros que lo hacen de una trayectoria irregular y sumamente personal. En sus películas siempre hay algo melancólico, infantil y rústico de su figura, pero es difícil decir que Click, Happy Gilmore, Embriagado de amor y No te metas con Zohan sean parecidas. De hecho, la calidad de algunos de estos films es cuestionable, otros no tuvieron la recepción esperada y otros se transformaron en clásicos de culto. Hay de todo en la figura de este comediante omnipresente que también es guionista y uno de los actores más talentosos de su generación. No por nada puede estar en una comedia romántica, un drama, una comedia pura y dura o algún producto más familiar con más o menos la misma solvencia. Ahora, con Dennis Dugan, uno de los directores que mejor ha sabido explotar la faceta con que conocemos a Sandler tenemos Son como niños, acompañado por actores que han participado de otras películas junto al actor: Chris Rock, Kevin James, David Spade y Rob Schneider. El elenco es más que interesante, la premisa no lo es tanto, el relato cuenta que cinco amigos y ex compañeros se reencuentran 30 años más tarde, en honor al fallecimiento del que fue su entrenador de baloncesto en la infancia. Con sus esposas y niños a cuestas, pasarán un fin de semana en una casa en el lago, precisamente la misma casa en la que celebraron su campeonato años atrás. Esta experiencia les servirá para darse cuenta de que el hecho de tener más años, no quiere decir que realmente hayan crecido. Parece una comedia que de ser ingeniosa y mantener un buen ritmo es una propuesta más recomendable, sin embargo la reflexión moral, que se viene venir sobre la “madurez”, también puede ser un atenuante para no verla. Pero, también hay que aclarar, quienes quieran divertirse con una comedia, es una posibilidad más que interesante dado el elenco, a pesar de que lamentablemente sólo se estrene doblada al castellano.

Partir (2009 / Francia / 101 minutos)
Director: Catherine Corsini
Guión: Catherine Corsini, Gaelle Masé
Reparto: Kristin Scott Thomas, Sergi López, Yvan Attal, Bernard Blancan, Aladin Reibel, Alexandre Vidal.
Sala y horarios: Cines del Paseo (todos los días: 20:35 y 22:35. Viernes, sábado y miércoles también: 00:25)

Hay dramas europeos sobre “historias de vida” que no parecen agotarse nunca, salvo en quizá lo poco que parecen sorprender sobre la base de su temática que es, en definitiva, un terreno explorado con la misma visión de “target” que sobre el cine infantil, por ejemplo. Sabemos adónde apunta con la misma seguridad que sabemos quienes suelen ver las películas de Hallmark para sentirse identificados con los personajes y sus vivencias. La cuestión es que, eso que algunos llaman “cine en serio” no es más que drama, y como todo film que se ubica dentro de un género puede ser malo o bueno, según sus propios méritos. No hay tal cosa como un “cine en serio”, de la misma manera que tampoco es el cine europeo “más real” que el cine hecho en cualquier otra parte del mundo. Todo este preámbulo que algunos encontrarán denso es para decir que Partir es una película dentro de ese tipo de dramas de origen europeo, con un tono intimista y que puede salir bien o mal, pero que sin lugar a dudas convocará a un tipo de público en función de su trama. La película narra cómo Suzanne una mujer casada y madre, vive en el sur de Francia. A sus 40 años, disfruta de una vida tranquila junto a su marido, médico e  hijos. Pero Suzanne se aburre de no hacer nada y decide que es hora de volver a la actividad. Quiere abrir su propio consultorio de fisioterapeuta y por ello encarga unas reformas edilicias. El jefe de los obreros, Iván, es muy atractivo y llama su atención. Poco a poco, Suzanne se deja seducir por él, redescubriendo los placeres del sexo y la pasión. En fin, es un drama con reflexiones sobre el paso del tiempo y el amor con dos figuras europeas como Kristin Scott Thomas o Sergi López, lo cual no es poco hablar. Veremos si el film de la irregular Catherine Corsini logra ser un buen representante del cine europeo.

Portadores (Carriers / 2009 / Estados Unidos / 84 minutos)
Director: Alex Pastor y David Pastor.
Guión: Alex Pastor y David Pastor.
Reparto: Piper Perabo, Christopher Meloni, Chris Pine, Emily VanCamp, Lou Taylor Pucci, Kiernan Shipka, Mark Moses.
Sala y horarios: Cine Ambassador (todos los días: 20:40 y 22:35. Viernes, sábado y miércoles también: 00:30)

El fin del mundo como algo inminente y trágico parece ser uno de los escenarios hacia los cuales se ha inclinado el cine, particularmente el terror desde siempre, pero ahora con el drama y el cine catástrofe llevando la cuestión a escalas irreversibles toma una nueva significación. Particularmente, lo que alguna vez fueron monstruos externos, ahora se torna en potenciales amenazas que surgen del propio ser humano. En este caso se trata de un virus y, si bien el género es el terror, lo más correcto sería hablar de un thriller con algo de gore, pero que hace más hincapié en la supervivencia y en las vicisitudes de un grupo de jóvenes ante una terrible adversidad. La trama gira en como su único objetivo es escapar de un virus mortal que podría acabar con toda la humanidad, y evitar cualquier contacto con otros seres humanos. Habrá aquí seguramente algún deja vu relacionado con el cine de George Romero o con la saga Exterminio, así como con películas más recientes como La carretera, por lo tanto, quienes estén interesados en esta línea de films pueden encontrar su película aquí.

Cuentos de la selva (2010 / Argentina / 84 minutos)
Director: Norman Ruiz, Liliana Romero
Guión: Jorge Maestro, Horacio Grinberg, Axel Nacher. Basado en Cuentos de la selva (1918) de Horacio Quiroga.
Sala y horarios: Cine Ambassador (todos los días: 11:40, 13:25, 15:10, 17:10 y 18:55)

La dupla nacional de Norman Ruiz y Liliana Romero ya había experimentado el éxito con su trabajo más resonante hasta la fecha, Fierro, que contó con una de las últimas colaboraciones de Roberto Fontanarrosa, aquella vez con la animación 2D trabajada con elementos digitales. En esta ocasión el referente es el genial escritor Horacio Quiroga, particularmente su obra Cuentos de la selva, que muestra en toda su dimensión a uno de los autores más interesantes que ha entregado la literatura nacional a comienzos del siglo XX. Pero además, bien es sabido que fue uno de los primeros amantes y teóricos del cine y aquí hay, quizá, una de las muchas devoluciones que el cine ha hecho a su obra. En este caso la idea es tomar el espíritu de la obra y explotarlo para hacer un relato que encuentra puntos de semejanza con, por ejemplo, La guerra de los yacarés, pero que no sigue al pie de la letra ninguno de los cuentos del autor. Por eso aquí quizá el problema lo encontremos en el guión, particularmente si tenemos en cuenta que no es un relato televisivo, donde mejor se desempeñan figuras como Jorge Maestro. Por lo pronto, nos queda esperar y ver cómo se retrata ese mundo de acuarelas, y si la animación fluye con mejores resultados (particularmente en el montaje) que en Fierro. No deja de ser una propuesta interesante, especialmente para quienes no conocen al mundo del autor, sea de la edad que sea.

En la continuidad del ciclo El otro cine, hoy a las 19 en la Sala Nachman del Teatro Auditórium (Boulevard Marítimo 2280) se verá una película de uno de los más destacados directores de la cinematografía francesa: Jean Pierre Melville. Hablamos de El confidente, un clásico policial “melvilliano”.

Con los protagónicos de Jean Paul Belmondo, Serge Reggiani y Jean Desailly, Melville construye otro de sus policiales que si bien recurren al género, no son más que estudios de personajes, siempre jugando con las reglas del noir.

En el caso de El confidente, el director explora la aparente contradicción entre el honor y la moral en el mundo de los gángsters: es, en ese aspecto, un film conceptual. Aquí observamos a criminales que resultan profesionales implacables y fríos, pero que dejen entrever breves gestos corporales.

Si bien Melville abandona aquí un poco el policial puro y se acerca más al subgénero de film detectivesco, lo que hace también es preocuparse en que no se acabe el interés en la resolución de un misterio. El director juega tanto con las reglas implícitas que estira el misterio y recién sobre el final podemos develar las capas de ambigüedad que la bordan.

De la época en que el cine italiano sacaba nombres y éxitos por doquier, se verá hoy a las 19 en la Sala Nachman del Auditórium (Boulevard Marítimo 2280) el clásico de Ettore Scola Un día muy particular, con los protagónicos de Marcello Marcello Mastroianni y Sophia Loren. El film se presentará en el marco del ciclo El otro cine.

El film tiene la habilidad de mezclar lo público y lo privado, con singular maestría: Adolf Hitler es recibido por Benito Mussolini en la Roma de 1938. En ese marco el film explora el afuera, con la conmoción que esa presencia generó, pero especialmente con lo que pasa con la pareja que se forma entre una mujer sometida y reprimida y su vecino, un confeso homosexual.

Scola se permite en este fresco de una época que es la película, retratar a personajes que no tienen actitudes simpáticas -ella es fascista, por ejemplo- pero permitiéndoles cierta dignidad, inclusive. De todas maneras sabremos qué piensa el director sobre el tema que retrata, pero eso no le permite crear personajes bestiales o infames. Bueno, los hay, pero no es el caso del que interpreta la Loren.

De todas maneras, más allá de los logros estéticos y cinematográficos, preferentemente aquellos que remiten al espacio y a las represiones de la época, lo que sobresale es el talento de un grupo de artistas que estaban dando, por aquellos tiempos, los pasos más relevantes de una cinematografía que, como decimos habitualmente, comenzaba a dar signos de fatiga.

Por Mex Faliero

Encuentro explosivo

Encuentro explosivo (Knight & day / EE.UU. / 2010 / 108 minutos)
Dirección: James Mangold
Intérpretes: Tom Cruise, Cameron Diaz, Peter Sarsgaard, Maggie Grace, Paul Dano, Marc Blucas, Viola Davis, Jordi Mollà
Sala y horario: Cinema Los Gallegos (todos los días: 20:15 y 22:35. Viernes y sábado y miércoles también: 01:00) // Cines Del Paseo (todos los días: 15:30 y 17:50. Todos los días desde el sábado 17/7 también: 10:50 y 13:10)

Cada año Hollywood se reitera en alguna fórmula: este año le tocó a las comedias de acción con una pareja fuerte en el protagónico, un poco lo que pasaba en el cine de hace unos 20 años, con películas como Dos pájaros a tiro, por ejemplo. Este año ya tuvimos El cazarecompensas y, ahora, llega Encuentro explosivo. Y hay más que irá llegando en los meses restantes. Otra cosa que se cumple aquí, en relación a ese cine de hace unas décadas, es que mientras el peso promocional está puesto en los actores -aquí Tom Cruise y Cameron Díaz- se elige para dirigirlos a un artesano más o menos competente -aquí James Mangold-. Pero atención, el director James Mangold tiene varias películas pésimas, pero al menos una que es notable: la remake de El tren de las 3:10 a Yuma. Como suele ocurrir en este tipo de películas se busca la pareja, se la pone en situaciones más o menos inverosímiles y se dosifica el guión desde la comedia y la acción. En este subgénero, hace pocos años Sr. y Sra. Smith encontró tal vez el concepto más elaborado. Encuentro explosivo, que no anduvo bien en Estados Unidos, juega con la idea del extrañamiento: ella tendrá una cita a ciegas con él, sin saber que se trata de un agente del FBI. O, al menos, eso es lo que parece. Porque nada es lo que parece en este film, que fusiona elementos de James Bond, la saga de Bourne y demás films que apuestan a la acción internacional, salvo que aquí con una cuota de delirio. Puede funcionar.

El aprendiz de brujo (The sorcerer’s Apprentice / EE.UU. / 2010 / 108 minutos)
Dirección: Jon Turteltaub
Intérpretes: Nicolas Cage, Jay Baruchel, Alfred Molina, Monica Bellucci, Teresa Palmer, Toby Kebbell
Sala y horarios: Cines Del Paseo (-en castellano- todos los días: 15:10, 17:35, 19:50 y 22:10. Todos los días desde el sábado 17/7 también: 10:25 y 12:45. Viernes, sábado y miércoles también: 00:30)

Otra pareja, otra que se define a partir de la acción, pero otro subgénero a representar: el del maestro y el discípulo, alla Karate kid aunque en este caso con magia en vez de artes marciales. En El aprendiz de brujo lo de la pareja se da por camino de doble mano: mientras narrativamente se centra en el vínculo que se da entre Balthazar Blake (Nicolas Cage) y Dave Stutler (Jay Baruchel), por otra parte es la nueva colaboración entre Cage y el director Jon Turteltaub, quienes hicieron las dos de La leyenda del tesoro perdido. Está bien, convengamos que no son Martin Scorsese y Robert DeNiro, pero a no minimizar lo que pueden ser casi dos horas de noble entretenimiento, como lo proponía aquella historia de aventuras con el buscador de reliquias que interpretaba Nicolas Cage -al menos la primera estaba lograda-. Aquí el vínculo entre Blake y Stutler se da en relación a los trucos que uno le debe enseñar al otro en su tarea por defender Nueva York de las garras del villano interpretado por Alfred Molina, uno de esos actores maravillosos que hay en el mundo. Magia y fantasía en escenarios que son las calles de la ciudad más filmada del universo. Si bien el film puede funcionar en su trabajo sobre la acción, hay que destacar a los protagonistas y, en especial, a Baruchel, un joven conocido por las comedias de la factoría Judd Apatow y que ha demostrado desenvolverse muy bien en el género, y aquí aporta en buena medida la faz cómica, con el aprendiz torpe pero de buen corazón. Lástima que El aprendiz de brujo llega sólo en castellano.

Miss Tacuarembó (Idem / Uruguay / 2010 / 94 minutos)
Dirección: Martín Sastre
Intérpretes: Natalia Oreiro, Mike Amigorena, Rossy de Palma, Graciela Borges, Alejandro Tous, Jeannette Rodríguez, Melina Petriella, Mónica Villa y Diego Reinhold
Sala y horarios: Cine Ambassador (todos los días: 14:30, 16:50, 18:55 y 21:00. Todos los días desde el sábado 17/7 también: 12:20)

Artistas que la gente no termina de tomarse en serio hay a patadas. Incluso hay otros que son tomados demasiado en serio. Entre los primeros, debo mencionar con singular énfasis a Natalia Oreiro. Usted me dirá que no, que sus novelas de la televisión han sido muy exitosas y que la gente la acompaña: sí, es verdad, pero una cosa es el éxito reservado a la pantalla chica y a un género en especial, y otra es que se respete seriamente el trabajo de esa figura. El ejemplo de Oreiro es simbólico: el público no termina de tomársela en serio y eso lo demuestra la suerte dispar de sus películas en el cine. De paso, digamos, el cine es el lugar a donde la gente tiene que ir, no es como la televisión que te llega a tu casa y te taladra. Para muchos Oreiro es una mina simpática, que ha actuado en novelas medio locas. Pero hasta ahí da. Y no, Oreiro es tal vez la mejor comediante que ha dado la televisión y el cine argentino en mucho tiempo. Capaz de ceñirse a universos más reconocibles como los de la comedia romántica clásica (ver Música en espera y compararla con Un novio para mi mujer y enojarse porque esta fue un éxito y la otra no) o a lo más disparatado y absurdo (ver Sos mi vida). Por eso, siguiendo el arco de su carrera, no extraña un producto como Miss Tacuarembó, que explota por el lado del absurdo con un Cristo interpretado por Mike Amigorena y que también tiene sus referencias cinéfilas, con Fama como norte. Es una comedia y es un musical, y sí, está hecha con muchos colores. Esta coproducción con el Uruguay sobre una nena que tiene un sueño -y cuando crece se convierte en Oreiro- juega en los límites del kitsch y del musical popular, y es en toda su medida un producto arriesgado, si analizamos lo que la gente elige ver cuando va al cine a ver algo nacional. Mis Tacuarembó puede ser una sorpresa. A tenerla en cuenta.

A tono con los thrillers que se hacían en la década de 1970, donde Contacto en Francia y La conversación tal vez sean los exponentes más representativos, Scorpio plantea también un terreno de ambigüedades, entre escenas de acción y suspenso. En conclusión, lo que se ve en esa década bisagra -y el cine supo verlo mucho tiempo antes- es que el mundo estaba a punto de cambiar.

Este film dirigido por Michael Winner y con los protagónicos de Burt Lancaster, Alain Delon y Paul Scofield se verá mañana a las 18 en la Sala Nachman del Teatro Auditórium (Boulevard Marítimo 2280), en el marco del ciclo El otro cine. Si bien no tan reconocida como aquellas, o como Sérpico, esta película encaja perfectamente con el universo de mentiras y traiciones que esas obras planteaban.

Lancaster es un experimentado agente de la CIA sospechado de ser agente doble y colaborar con la KGB, por lo que la propia agencia decide eliminarlo contratando los servicios de un impecable asesino francés. Desde lo narrativo, el film es un vibrante thriller en el subgénero de caza de gato y ratón que tantos buenos productos dio y sigue dando al cine de entretenimiento.

Sin embargo, con la aparición de otro agente de la KGB, se completa un trío de protagonistas que, amén de la aventura, simbolizan el paso del tiempo, que aquí representa la pérdida de determinados valores y la corrupción de los estados. Ya no se puede confiar en nadie, dice el film de Winner, un buen artesano que aquí demuestra una mano firme para la acción.

Scorpio es, además, un molde perfecto para ese cine de corridas por el mundo, en la onda Bourne, que hoy se hace. Aunque, es necesario decirlo, mientras ahora es la técnica y el asombro por la tecnología lo que sobresale, en los 70’s estas historias se imprimían a partir de lo político. Importa aquí, más que otra cosa, la visión de un mundo que les daba paso a jóvenes consecuentes con el sistema. El mundo cambiaba las reglas del juego y el cine comprendía, amargamente, esa realidad.

Humor mordaz. En sus comedias, Tati filtraba críticas a las sociedad.

Si bien su talento está a la altura -e incluso por momentos lo supera- del de un Charles Chaplin, un Buster Keaton o un Jerry Lewis, el francés Jacques Tati es una figura no del todo reconocida por el gran público. Actor y autor, su humor es una forma virtuosa de la puesta en escena. Dada la necesidad de recuperarlo, su figura será eje de un curso que brindará el crítico Diego Menegazzi.

Jacques Tati, maestro del cine moderno es el nombre de este seminario que abordará la carrera cinematográfica de este genial comediante galo. A partir del martes 20 y durante cuatro clases se verán Día de fiesta (1949), Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953), Mi tío (1958) y Playtime (1967), tal vez su obra maestra.

El temario aborda la obra del director francés, uno de los grandes renovadores del cine de posguerra. Se destaca que su contribución fue más allá del ámbito de la comedia, ya que en sus films se desprende una aguda crítica a la deshumanización del hombre y al modo de vida alienado de las grandes ciudades.

Durante este curso, que irá durante las vacaciones los días martes 20, miércoles 21, martes 27 y miércoles 28 de julio de 18 a 21, se analizará entonces su estilo, sus temas, sus personajes y su particular mirada sobre el mundo contemporáneo. Como decíamos, el humor de Tati involucra, como en Keaton, el mundo de los objetos. Sin embargo aquí con una relectura sociológica.

Quienes deseen participar de Jacques Tati, maestro del cine moderno deben recordar que el cupo es limitado. Para inscribirse deben hacerlo en Santiago del Estero 3952, por teléfono al 494-1982 o por mail a dgmenegazzi@yahoo.com.ar.

(Fuente: www.fancinema.com.ar)